Практика ювелирного дизайна: тонкости от профессионала

С ювелирным дизайнером Милой Пиковой мы познакомились еще до начала нашего конкурса ювелиров. Она закончила Академию ювелирного искусства Шароновых и получила мастера в миланской Haute Academy по специальности «ювелирный дизайн, fashion и дизайн часов». Работала c Cartier в Париже, сейчас сотрудничает с итальянским домом Bulgari. Мила знает все тонкости дизайна ювелирных изделий и готова ими поделиться.

Расскажите о поэтапном процессе создания дизайна ювелирного украшения.

Очередность этапов зависит от того, работаю ли я с high jewelry или basic jewelry. Упрощенно, high — это изделие от 100 000 €, а basic — все, что меньше этой цены. Разделение условное, между high и basic есть еще миллион вариаций.

Когда я работаю с high jewelry, то начинаю дизайн с камня, потому что такое уникальное изделие всегда делается под определенный камень — даже если у меня его нет. Basic jewelry — с общих форм и композиции. Но в обоих случаях отталкиваюсь от мудбордов, чтобы понять настроение и направление в эстетике будущего ювелирного украшения.

Потом делаю наброски от руки, ищу подходящие формы, и затем на графическом планшете работаю над деталями. Обычно я рисую 3-4 варианта одного изделия, которые должны довольно сильно отличаться друг от друга, и показываю своему арт-директору. Она выбирает один из них, или мы с ней обсуждаем и что-то дорабатываем вместе. Далее утвержденный дизайн идет на производство — в мастерские или на мануфактуру — и там 3D-модельер строит 3D-модель украшения.

Есть ли этап, когда делают пробное изделие в материале, чтобы понять, получился ли дизайн, и могут ли отправить дизайнеру на доработку?

Желательно такого не допускать, потому что дизайнер изначально предусматривает все технические особенности украшения. Если я делаю колье, оно должно быть удобным и мягким — как мы говорим в нашей компании, «быть второй кожей». Для high jewelry мы не делаем пробники, так как изделия выполняются в одном или 2-3 экземплярах, но ювелиры отправляют нам фотографии макетов из бронзы, и можно подкорректировать форму, если что-то не подходит. 

У basic jewelry обычно делаются прототипы. Работа с этими украшениями сложнее и занимает больше времени из-за многочисленных ограничений. Это полезно для дизайнера, когда есть рамки, но задача усложняется — мне нужно думать о бюджете, материалах и тираже. Например, если в 10 000 подвесок мы используем вставки из малахита (хрупкий поделочный камень всех оттенков зеленого: от светло-салатового до практически черного. — прим. редактора), сразу возникает вопрос: сможем ли мы найти срез малахита, который будет выглядеть одинаково на всех 10 000 изделий. Поиском занимаюсь не я, но в дизайне должна использовать реализуемые материалы.

Концепция украшения задается изначально или вы сами ее разрабатываете с нуля?

Если это basic jewelry, большое влияние на концепцию оказывает маркетинг: украшения должны продаваться и привлекать новых клиентов. Например, условная 20-летняя аудитория должна позволить себе этот недорогой сегмент. В дальнейшем они могут стать постоянными клиентами и с ростом благосостояния будут готовы тратить больше денег на ювелирные изделия знакомого бренда. 

C high jewelry проще. У каждой компании есть design code — и когда я над чем-то работаю, то уже знаю эти параметры. Для Bulgari характерны змеи, у Cartier — пантеры или это просто изделие с камнями. Я всегда знаю, над каким сегментом работаю, и, исходя из этого, сама предлагаю те или иные решения по дизайну.

Чем отличается эскиз от дизайна?

Дизайн — это мысль, проект будущего изделия. Эскиз — воплощение дизайна, вид коммуникации с клиентом. По сути эскиз — язык, на котором говорит дизайнер со своим клиентом. При этом эскиз ювелирного украшения — не иллюстрация, у него нет задачи — быть просто красивым рисунком. Каким бы красивым ни был эскиз, важно, чтобы в нем были учтены все технические детали, и он был выполним.

Эскизы украшений Милы Пиковой.

И дело не в том, что какие-то формы или детали невозможно выполнить. Дизайнеру нужно следить, чтобы передняя часть украшения не была дешевле, чем задняя. Пример: если в колье присутствует бирюза (популярный поделочный камень небесно-голубого или зеленоватого цвета. — прим. редактора) или другие полудрагоценные камни, а на самой базе этого ювелирного изделия используются бриллианты, которые уходят назад — то передняя часть выглядит дорого за счет ярких цветов, но по стоимости задняя часть колье получается намного дороже. Так нельзя.

С опытом приходит и видение того, как украшение будет выглядеть в жизни. Например, я недавно поняла, что сочетание бирюзы и хризопраза (твердый поделочный камень нежно-зеленого, яблочного, травяного или голубоватого цвета. — прим. редактора) не очень выигрышно в реальной жизни, а на эскизах смотрится хорошо.

Как избежать разочарования, когда изделие в тираже получается хуже, чем на эскизе?

Начинающий дизайнер учится на своих ошибках — и это нормально. Когда я начинала работать еще в России, у меня бывали подобные ситуации — на эскизе все выглядело интересно, а потом готовое изделие получалось не таким, как мне хотелось бы. Причем ошибки дизайнера не скинешь на ювелира — сразу видно, если мастер сделал украшение плохо, и здесь же становятся видны дизайнерские недоработки.

Критерии оценки дизайна ювелирного изделия: эстетика, функциональность, инновационность, уникальность. Расскажите подробно о каждом объективном критерии и его применении.

В отличие от искусства, у дизайна есть определенные критерии, и это упрощает его оценку. Я бы еще добавила актуальность, то есть соответствие ювелирных изделий времени. Функциональность изделия более объективна, чем эстетическая часть. После мирового экономического кризиса 2008 года функциональность high jewelry сильно изменилась: люди, которые покупали дорогие украшения, теперь не хотели класть их в кейс и держать там год, чтобы потом надеть один раз. Они хотели то же самое дорогое изделие надевать чаще — например, на коктейльную вечеринку, праздники или встречу.

Функциональность всегда про удобство, приятность ощущений от украшения и его контекст — как говорят, «в тему». Ювелирное изделие — не арт-объект на полке; оно должно взаимодействовать с телом и украшать человека.

Украшение для Maximilian London.

Чтобы грамотно оценить дизайн с точки зрения эстетики, нужна насмотренность, причем не только ювелирная. Это может быть дизайн интерьера, мебели, архитектуры, скульптуры и многого другого. Я хожу и на местные выставки, и когда путешествую — вообще на любые. Это помогает видеть правильные пропорции, формы и сложные цветовые палитры. Глаза и мозг дизайнера словно «наращивают» мускулы. Когда ты «прокачиваешь» их, то обязательно потом применяешь в ювелирном дизайне. Он не существует в вакууме, а живет вместе с модой и аксессуарами, которые носят люди. Дизайнеру нужно сделать насмотренность частью своей работы, и к тому же это — интересно.

Что такое дизайн timeless, «вне времени» и как его создать?

На вопрос нет четкого ответа — и если бы дизайнеры его знали, было бы намного проще работать. Но есть тенденции, которые можно понять: когда работаешь над дизайном и понимаешь, что он сочетается с современными быстро проходящими трендами, то дизайн не будет timeless. Если дизайн лаконичный, концептуальный и с уникальной идеей, у него есть шанс стать «вне времени» — например, браслет Love.

Браслет Love с отвёрткой. Белое золото 18 карат (750 проба), 10 бриллиантов классической огранки общим весом 0,21 карата. Фото: официальный сайт Cartier.

В 60-х годах XX века его придумал Альдо Чипулло — итальянский дизайнер, в то время страдающий от безответной любви. Он размышлял, что можно было бы надеть на человека, чтобы он стал моим навсегда и никуда не делся. И однажды среди ночи в своей нью-йоркской квартире Чипулло нарисовал эскиз браслета Love. К нему шла маленькая отвёртка, при помощи которой на руке избранницы или избранника закручивали винт, и изделие невозможно было снять. По сути это было обручальное кольцо, символ нерушимости чувств. 

Именно из-за «символа любви» он ушел из Tiffany в Cartier, потому что Tiffany не поняли дизайн и отказались делать украшение. До сих пор браслет считается одним из самых популярных у Cartier и выполняется из желтого, белого, розового золота, платины и может инкрустироваться бриллиантами. Он работает из-за своей простоты, при этом идея — небанальная и цепляет людей. И, кстати, сразу хорошо продавался после выпуска, а вначале 2000-х Cartier расширили коллекцию Love и дополнили ее помолвочными и обручальными кольцами, серьгами и колье. 

Получается, один из признаков timeless-дизайна — не использовать находящиеся на пике тренды?

Да, тренды приходят и уходят, а иногда и повторяются, поэтому полностью полагаться на них не нужно. Когда Чипулло нарисовал дизайн браслета Love, ничего подобного на ювелирном рынке 60-х не было. Мир тогда только оправился от Второй Мировой войны — это тоже сильно повлияло на сферу украшений. 

Bulgari после войны изготавливали крупные золотые украшения без бриллиантов или паве (маленькие драгоценные камни размером 0,01-0,02 карата, которые устанавливают в оправу украшения. Они придают ювелирному изделию дополнительный блеск, сияние, индивидуальность и создают «эффект бесконечной дорожки» из камней. — прим. редактора) — из-за отсутствия необходимых ресурсов фактически без всего. У дизайнеров и ювелиров стояла задача — за небольшие деньги сделать изделия, выглядящие дорогими. И благодаря этим вынужденным ограничениям Bulgari позже нашли свой стиль, воплотив в жизнь итальянский смелый дизайн с более крупными, где-то тяжелыми, формами, чем у школы французского дизайна. 

Чем итальянская школа дизайна отличается от французской и русской? Почему большинство украшений в мире сейчас — французского дизайна?

Французский дизайн — наследник ар-деко (художественный стиль 1920-х годов, появившийся во Франции и наполненный идеями кубизма, абстракционизма и футуризма. Вдохновил ювелирных дизайнеров на создание простых, строго геометричных украшений с яркими ограненными камнями. — прим. редактора) и эры платины. Белого золота тогда еще не было, и вместо него использовали серебро, которое окислялось, темнело, плохо отливалось, а бриллианты в нем смотрелись невыигрышно.

В 1910-х годах в ювелирном деле появляется платина, заменившая серебро и позволившая делать легкие кружевные украшения. Это в дальнейшем определило эстетику школы французского дизайна, хотя саму платину применяли вплоть до начала Второй Мировой войны — потом она пошла на оружие, а после утратила свою главную роль из-за появления белого золота. 

Исторически и географически сложилось, что во Франции всегда работали и продолжают работать много ювелирных домов — Cartier, Boucheron, Chaumet и другие. Причем новые ювелирные компании предпочитали открывать именно во Франции, поэтому большинство украшений в мире — французской школы. Если же посмотреть на Италию, там Bulgari, Buccellati, Pomellato и другие ювелирные дома. В общей сложности их значительно меньше, чем во Франции.

Если говорить про визуальные отличия двух школ, то итальянцы больше используют желтое и розовое золото — они не боятся цвета, крупных и даже дерзких форм. Французская школа любит белое золото, сдержанные и утонченные цвета. Предметно дизайн-код может выглядеть так: у Cartier — белый металл, оникс (поделочный камень со своеобразным полосатым окрасом и широкой цветовой палитрой — может быть черным, белым, серым, коричневым и даже красным или зеленым. — прим. редактора) и изумруды (драгоценный камень преимущественно зеленого цвета. Вместе с алмазом, рубином и сапфиром относится к первой группе минералов. — прим. редактора); у Bulgari, скорее всего, будет желтое золото и цветные камни в ярком, практически безумном, сочетании.

Есть ли у России своя школа ювелирного дизайна?

До революции 1917 года у нас могла сложиться сильная школа ювелирного дизайна, потому что были многочисленные мануфактуры и обмен опытом с Европой. Но, насколько я знаю, потом в СССР на государственном уровне запрещали работать с драгоценными металлами.

Я ездила в поселок Красное-на-Волге Костромской области — в нем ювелирных мануфактур больше, чем во всей России. В местном музее есть экспозиция, где показан исторический срез — какие украшения они делали до революции и что позже изготовляли в Советском Союзе: после 1917 года это преимущественно эмалированные значки и столовые приборы. Когда есть такой длительный перерыв на 75 лет, всему нужно возникать заново. Думаю, что сейчас в России школа ювелирного дизайна только зарождается и эстетически она ближе ко французской.

Где искать вдохновение для новых идей? Как развивать дизайнерское видение?

Кроме развития насмотренности, важно знать, что происходит на ювелирном рынке, и следить за выходом новых коллекций. Если есть интересующиеся ювелирным делом друзья или коллеги — обсуждайте с ними все украшения и стили, которые нравятся или не нравятся вам. Нужно всегда находиться в контексте и смотреть вокруг, потому что ювелирный мир быстро меняется.

На своем сайте Катерина Перез часто публикует критические статьи о выходящих коллекциях, берет интервью у ювелирных дизайнеров. Она полностью погружена в индустрию. Также можно изучать сайты и социальные сети знаменитых ювелирных домов — даже тех, которых я уже упоминала. 

Как дизайнеру относиться к критике от заказчика?

Умение говорить с заказчиками — часть рабочего процесса. Когда я уехала учиться в Италию, то 3 года работала на фрилансе, и у меня много таких историй. Считаю, что к критике нужно прислушиваться всегда, даже если она кажется вам «сумасшедшей». И если вы чувствуете, что правки в изделии не будут смотреться, скажите об этом аргументировано. Я очень хорошо отношусь к критике, потому что она позволяет увидеть другой взгляд на дизайн. Без критики невозможно расти и развиваться как специалист.

Бывало, ко мне приходили капризные клиенты с безумными идеями, и если я понимала, что с этим не хочу работать совсем, то отказывала. Но когда видела, что можно поработать, я говорила с заказчиком и объясняла, что плохого в его придуманном украшении, и как его улучшить.

Должен ли дизайнер обладать художественным талантом? Какие качества требуются для успешной работы?

Ювелирный дизайнер должен уметь рисовать, но это не главное. Рисование — лишь инструмент и способ донести свою мысль до заказчика «без потерь». Сейчас это не такая большая проблема, потому что в программах можно делать коллажи — для дизайнера главнее то, как он мыслит, а не рисует.

Серьги из коллекции Minotaur. Фото из личного архива Милы Пиковой.

Для успешной работы важны любопытство и страсть — так, чтобы дизайн и всё смежное вокруг не переставали быть интересными. Дизайнер не говорит: «Я всё знаю и понимаю и ни за чем не слежу», — а всегда исследует новое в искусстве, моде, архитектуре.

Еще я бы посоветовала изучать английский и французский языки. В особенности французский, потому что для ювелирного мира это важный язык. Даже если сейчас вы работаете в России, может прийти такой момент, когда на вас выйдут иностранные заказчики, и вам нужно будет с ними разговаривать. Зная языки, вы не находитесь в вакууме. Например, кроме русского, я свободно говорю на английском и итальянском.

Какой ювелирный бренд вам ближе всего?

Мне нравится, что сейчас делает Boucheron — они вырвались из классики и мягкости в интересный эксперимент и начали использовать альтернативные материалы. Также я радуюсь, наблюдая, что произошло со SWAROVSKI, которые были очень скучным брендом с огромными ресурсами. Раньше они инкрустировали бижутерию маленькими камушками, но наконец-то сменили арт-директора на итальянку и стали применять в украшениях крупные камни самых разных форм. Пока получается однообразно, но я считаю, что у SWAROVSKI в ближайшие 2-3 года будут выходить интересные коллекции.

Из basic jewelry отмечу Tiffany — у них американский подход к дизайну. Кстати, европейский и американский подходы тоже сильно отличаются: европейский более элитарный, дорогой и его не все могут себе позволить; американский — либеральный и доступный. У Tiffany самый низкий ценник начинается от 60 $, и по сути каждый может зайти к ним и купить украшение. Они одни из немногих, кто активно работает с серебром, что дает возможность делать изделия крупных форм, и часто меняют ассортимент — не зациклены на каких-то постоянных коллекциях, а экспериментируют. 

Из российских брендов слежу за THING JEWERLY Евгения Зыскинда. Он делает уникальные украшения из серебра, и у меня есть несколько колец из прошлых коллекций. Около семи лет назад мы начинали вместе — я была дизайнером, а Женя всем руководил. Я считаю, что THING делает очень актуальные изделия не только для России, но и для всего ювелирного рынка. У них часто «воруют» дизайн — это, безусловно, показатель хороших работ.