От монументальности к малым формам. Размышления о витражном искусстве

Витражное искусство не вписывается в современный ритм жизни: проекты, соцсети, коллаборации, презентации. Витраж – это некий стоп-кадр, который на мгновение захватывает внимание, заставляет остановиться и задуматься, пофантазировать, помечтать. Раньше витражи были обязательными в комнатах отдыха, ванных, столовых, домашних библиотеках. Разноцветные стеклянные декорации символизировали знатность и достаток, а кого сейчас этим удивишь? Сегодня в магазинах можно купить всё, чтобы самому создать лампу в стиле Тиффани. И хотя её нельзя будет продать с аукциона Кристи, разве это главное?

Популярный сегодня экоминимализм убирает из интерьера лишнее, яркое, сложное. Молодёжь предпочитает простые линии, естественные краски, натуральные материалы. Поколение Z не склонно покупать впрок, уже никто не вспоминает, как бабушки стояли в очереди за коврами и шкафами. Люди мобильны, ради психологического комфорта готовы отказаться от высокой зарплаты, а работа в офисе 5/2 привлекает далеко не всех. Поэтому квартира сегодня – не семейный замок, а место отдыха. Всё должно быть легко и без лишних материальных затрат. 

На пике двухтысячных наблюдался подъём спроса на витражные интерьерные декорации. Сегодня его нет. И одна из причин – доступность технологий: любой желающий может пройти очное или дистанционное обучение по созданию витражей и делать их дома.

Витражное искусство Европы

Римляне первыми научились варить прозрачное стекло и выдувать из него сосуды разных форм. В музеях Великобритании, Италии, Германии собраны коллекции древнего стекла, датированные I в. н. э. 

Стеклоделие быстро набирало обороты, и уже в IV веке появились красные и синие стёкла, которые спустя столетие превратились в картины, стали украшением храмов. Лик Христа – самый древний целый витраж, который сохранился в Софийском соборе в Стамбуле.

Витраж Лик Христа. Собор Святой Софии, Стамбул, Турция, 532–537 гг.
Фото: foto-interiors.com

Первые витражи состояли из фрагментов цветных стёкол, которые вставляли в оконные проёмы. С XI века мастера научились получать плоское стекло, придавать ему цвет, скреплять свинцовой оправой, взяв технику инкрустации драгоценными камнями из ювелирных украшений.

Расцвет витражного искусства приходится на период готики. Монументальные цветные плоскости до сих пор сохранились в Париже, Кёльне, Реймсе и поражают неповторимыми художественными решениями.

Фрагмент Лик Богородицы. Франция, Шартрский собор XI–XII вв.
Фото: wikipedia.org

Архитектура средневековья связана с развитием городов в Европе и укреплением христианской идеологии. Соборы отражали единое мировоззрение, были похожи принципами архитектурной планировки, создавались из одинаковых строительных материалов. Пространство храмов давило на человека объёмами, массивными скульптурами, и лишь витражные окна несли свет утопающему во мраке собору. 

Сюжеты из Ветхого и Нового Завета. Германия, Кёльнский собор, XIII–XV вв.
Фото: Raimond Spekking, commons.wikimedia.org

Ранние витражи орнаментальные, но спустя время они становятся сюжетными, в них органично включаются человеческие фигуры. Цветные картины естественно вписываются в интерьер, придавая стенам храма, уходящим ввысь, бесконечную воздушность.

Когда попадаешь в готический собор, поражаешься масштабности. Это словно другой мир: свет проходит через цветные стёкла, мерцая и наполняя храм волшебной пыльцой разного оттенка. На дымчато-седые нефы, на стены и пол падают цветные блики. Архитектура средневековья с причудливым декором и мерцающими витражами одновременно создаёт единство интерьера и вызывает ощущение нереальности бытия.

Витражи служили идеологии. Мастеров стеклянных картин были единицы, а технологии отличались сложностью. Цветные панно состояли из множества элементов, включённых в единую композицию, и были связаны громоздкими перемычками и обрамлением. Витражное искусство пошло по новому пути развития благодаря открытиям Джона Ла Фаржа и Льюиса Тиффани в конце XIX столетия.

Джон Ла Фарж получил полупрозрачное молочное стекло с разводами, напоминающее опал, а Тиффани предложил вместо грубой техники крепления стекла более тонкую и гибкую. Новшества вдохнули в витражи вторую жизнь, сделали их популярными. Новый стиль ар-нуво с его растительным орнаментом, причудливыми завитками, лёгкостью как нельзя лучше вписался в техники работы со стеклом, сделав ставку на украшения и предметы интерьера.

Витражи в России

История стекла в России шла неравномерно и отличалась от европейского пути. Первые упоминания о стеклоделии относятся к XI веку, но татаро-монгольское иго на сотни лет остановило поиски технологий работы со стеклом. К XVII веку производство стало постепенно возрождаться, но рывок произошёл, когда М. Ломоносов построил в Петербурге первую лабораторию для работы со стеклом. Он сам варил, синтезировал, экспериментировал с материалом, произвёл более четырёх тысяч смальт разных цветов и оттенков. В России того периода вкладывались деньги в науку и технику, поэтому И. Кулибин сконструировал машину для прессования стекла и стан для прокатки зеркал.

Расцвет русского витражного искусства приходится на XVIII–XIX вв., когда на стекло обратили внимание К. Росси, Б. Растрелли, И. Иванов и использовали его для отделки дворцовых интерьеров и особняков. 

Витражи украшали павильоны, беседки, появлялись в виде стеклянных картин в интерьерах знатных домов. К середине XVIII «готические окна» вошли в моду, но стоили дорого и доступны были немногим.

В Санкт-Петербурге сохранился дом А. Кёльха в стиле неоренессанс. Потолок над лестничным пространством украшен полихромным витражом со сложным узорчатым орнаментом. В комнатах сохранились сюжетные стеклянные картины о городской жизни немецкого обывателя.

Витражные окна. Санкт-Петербург, особняк А. Кёльха XIX в.
Фото: commons.wikimedia.org

Создание витражей для православных храмов началось в 1843 году с изображения Воскресшего Христа в Исаакиевском соборе. Над витражом работал немецкий мастер стекольной живописи Макс Эмануэль Айнмиллер. На тот период в России не было ни одного завода, который бы справился с такой задачей, поэтому витраж отливали в Германии на предприятие «Заведение живописи на стекле».

Это была новая техника. До XIX века витражи собирались из десятка элементов, а сейчас появилась возможность писать по стеклу. Техника получила название «картина на стекле», стала популярной, совершенствовалась и закрепилась в витражах Исаакиевского собора.

Воскрешение Христа. Россия, Исаакиевский собор, XIX в. 
Фото: commons.wikimedia.org

В XIX в. в России стеклом занимались Петербургский Императорский завод, Дятьковский, Гусевский. Однако первенство принадлежало всё-таки европейскому стеклоделию. 

Ошибочно думать, что витражи – это плоские картины. Цвет, контурные линии, выпуклые крепления, сюжеты – всё говорит о динамике. Витражи, словно послание мастеров нам, потомкам, о мироустройстве, но с годами мы прислушиваемся к ним всё меньше.

Рене Лалик

Сейчас идёт процесс трансформации монументального искусства в поделочное, истоки которого заложил Рене Лалик в XIX веке.

Рене Лалик вошёл в искусство на стыке XIX–XX веков вместе с Эмилем Галле. Но в отличие от современника, искавшего вдохновения в прошлом, Лалик смотрел в будущее и поэтому поехал в Англию обучаться стеклоделию. Поездка изменила всю его жизнь. Рене Лалик вернулся на родину универсалом: художником, мастером по работе с кожей, камнем, костью, металлами.

В самом начале Лалик создавал ювелирные изделия из драгоценных камней, но камень тяжёл для работы, он чаще всего ограничен строгими формами и не выражает то, что ценно для художника – естественность. Стекло стало материалом, с помощью которого Лалик реализовывал любую идею.

Распространено мнение, что бижутерию придумала Коко Шанель. Это не так. Бижутерию создал Рене Лалик, соединив в одном предмете металл, стекло и недрагоценные камни. 

Использование золота, эмали, стекла и бриллиантов в одном украшении стало революционным моментом для того времени. Современники не восприняли новшество, но художнику это было неважно. Его критерием стала красота, а вдохновением – природа и женщины.

 Брошь. Фото: livejournal.com

Вторая особенность творчества Лалика – сюжеты. Ювелирное искусство консервативно, а Лалик стал имитировать в украшениях не лилии и розы, а ёлки, корни, мох – вещи непозволительные с точки зрения эстетики. Позднее в украшениях появились обнажённые мифические женские фигуры, что вызывало недоумение: «Какая женщина будет украшать себя обнажённой дамой?» Но Лалик сделал ставку на известных актрис и не прогадал. Модели с удовольствием носили эпатажные украшения в виде фей, что принесло успех обеим сторонам. Ювелира перестают воспринимать как ремесленника и начинают относится к нему как к художнику, приглашая на выставки, давая возможность создавать украшения для королевских особ. 

 Гребень «Ласточки». Фото: veryimportantlot.com               

Его знаменитые гребни, змейки столь изысканны и совершенны, что никто до сегодняшнего времени не смог их скопировать.

Самая большая коллекция работ художника хранится в Лиссабоне, хотя и в Эрмитаже есть пять произведений Рене Лалика. Лалик работал с эмалями, опалесцентным стеклом, в технике фьюзинга, моллирования, сатинирования, экспериментировал c крошкой, делал ставку на хрусталь. С 1912 года Лалик уходит в крупные формы, а его знаменитые вазы, секрет создания которых не раскрыт до сих пор, украшают частные коллекции и музеи. 

Ваза из опалесцентного стекла. Фото:  zen.yandex.ru

Работа со стеклом – это любовь с первого взгляда. Если вы уже влюбились, посмотрите в Русской Академии Ремёсел очные и онлайн-курсы по направлению «Стекло и керамика».

Александра Снигирёва, специально для Русской Академии Ремёсел.
30.01.2022